Riccardo Bianchi
Geolier, Sfera Ebbasta, Shiva e Anna dominano le classifiche digitali. Milioni di ascolti, una presenza costante sui social e un’influenza enorme sui giovanissimi. Ma dietro il successo commerciale della trap e del rap contemporaneo si nasconde una domanda scomoda: stiamo assistendo a una nuova rivoluzione musicale oppure alla progressiva trasformazione della musica in un prodotto di consumo rapido, costruito più sull’immagine che sulla qualità artistica?
C’è una frase che viene ripetuta puntualmente ogni volta che qualcuno osa criticare la musica ascoltata dalle nuove generazioni: «Anche i nostri genitori dicevano che la musica dei giovani faceva schifo».
È diventata una risposta automatica, quasi un riflesso condizionato. Un modo per interrompere qualsiasi discussione prima ancora che possa cominciare.
Ma siamo davvero sicuri che il paragone regga?
Davvero possiamo mettere sullo stesso piano le rivoluzioni musicali dei Beatles, dei Led Zeppelin, dei Pink Floyd o degli Iron Maiden con buona parte della produzione trap e urban che oggi domina le piattaforme digitali?
La questione non riguarda l’età degli artisti né quella del pubblico. E non significa sostenere che tutta la musica del passato fosse straordinaria o che tutta quella contemporanea sia mediocre.
Significa, piuttosto, avere il coraggio di affrontare una domanda che l’industria discografica sembra sempre meno interessata a porsi.
Il successo commerciale è ancora una misura credibile del valore artistico?
Perché se la risposta è sì, allora dobbiamo accettare che un brano ascoltato milioni di volte sia necessariamente superiore a una composizione che richiede studio, tecnica, ricerca e capacità esecutiva.
E questa sarebbe una conclusione culturalmente disastrosa.
Le Classifiche Raccontano Il Successo, Non La Qualità
L’immagine che circola sui social, dedicata agli artisti più ascoltati su YouTube, mostra ai primi posti Geolier, Sfera Ebbasta, Shiva e Anna.
Accanto ai nomi compaiono i rispettivi numeri di iscritti ai canali, che non devono essere confusi con gli ascolti effettivi.
È una distinzione importante: la graduatoria riportata nello screenshot non costituisce, da sola, una classifica ufficiale e aggiornata dei brani più ascoltati in Italia.
Ma il punto dell’immagine rimane interessante.
Questi artisti rappresentano alcuni dei nomi più riconoscibili della scena urban italiana, un universo musicale che ha conquistato una parte significativa del pubblico giovane.
Non si tratta di negare il loro successo.
Si tratta di domandarsi che cosa quel successo rappresenti.
Perché una piattaforma digitale misura visualizzazioni, riproduzioni, iscrizioni e interazioni. Non misura la complessità armonica, la qualità di un arrangiamento, la capacità di eseguire uno strumento o l’originalità di una composizione.
Un milione di visualizzazioni dimostra che un contenuto è stato consumato un milione di volte. Non dimostra che quel contenuto sia un’opera d’arte di valore.
La distinzione dovrebbe essere elementare.
Eppure, nell’attuale industria dell’intrattenimento, sembra essere stata progressivamente dimenticata.
Quando La Musica Era Una Ricerca, Non Soltanto Un Prodotto
I Beatles furono accusati di essere rumorosi, superficiali e perfino pericolosi per i costumi dell’epoca.
I Led Zeppelin vennero contestati per l’aggressività del loro suono.
I Pink Floyd sperimentarono linguaggi che una parte del pubblico considerava incomprensibili.
Gli Iron Maiden furono bersaglio di polemiche legate all’immaginario e ai contenuti dei loro dischi.
Ma dietro quelle controversie esisteva un lavoro musicale che poteva essere analizzato e discusso.
I Beatles trasformarono progressivamente la struttura della canzone pop, sperimentando armonie, tecniche di registrazione e soluzioni compositive.
I Led Zeppelin costruirono un linguaggio riconoscibile attraverso l’incontro tra blues, hard rock, folk e sperimentazione.
I Pink Floyd svilupparono una concezione del disco come opera complessiva, nella quale musica, testi, atmosfere e produzione contribuivano a creare un’esperienza artistica.
Gli Iron Maiden elaborarono un’identità musicale fondata su intrecci chitarristici, strutture articolate e riferimenti narrativi, storici e letterari.
Non significa che ogni loro canzone fosse un capolavoro.
Significa che dietro quelle produzioni esistevano ambizioni musicali riconoscibili.
E soprattutto esisteva una dimensione creativa che non poteva essere ridotta alla ripetizione di una formula commerciale.
La domanda che dovremmo porci oggi è se l’industria discografica continui a premiare questa ricerca oppure se privilegi sempre più frequentemente ciò che può essere consumato, riconosciuto e dimenticato nel minor tempo possibile.
Trap E Rap: La Ripetizione È Diventata Una Formula Industriale?
Una parte importante della produzione trap contemporanea si basa su elementi ricorrenti: ritmi programmati, bassi profondi, sequenze ripetitive, campionamenti, interventi digitali sulla voce e strutture costruite intorno a ritornelli immediatamente riconoscibili.
Queste caratteristiche, prese singolarmente, non rappresentano un difetto artistico.
La musica elettronica utilizza strumenti digitali da decenni. Il campionamento ha dato vita a interi linguaggi musicali. La ripetizione può produrre opere straordinarie, dal minimalismo alla techno.
Il problema nasce quando strumenti potenzialmente creativi diventano formule industriali riprodotte quasi automaticamente.
Quando la ricerca di un suono originale viene sostituita dall’imitazione di ciò che ha già funzionato.
Quando l’arrangiamento sembra costruito principalmente per accompagnare una voce e mantenere costante l’attenzione dell’ascoltatore, senza sviluppare un vero percorso musicale.
Quando la produzione privilegia la riconoscibilità immediata rispetto alla possibilità di sorprendere.
È in questo contesto che diventa legittimo parlare di impoverimento.
Non perché un computer sia inferiore a una chitarra.
Non perché una drum machine sia meno dignitosa di una batteria acustica.
Ma perché la disponibilità di strumenti tecnologici sempre più potenti dovrebbe ampliare le possibilità creative, non restringerle a un numero limitato di formule ripetute all’infinito.
La tecnologia non è il nemico della musica.
La standardizzazione della creatività, invece, può diventarlo.
Auto-Tune: Strumento Creativo O Scorciatoia Per La Mediocrità?
Pochi strumenti rappresentano il dibattito sulla musica contemporanea quanto l’Auto-Tune.
Nato come sistema di correzione dell’intonazione, è diventato anche un effetto espressivo utilizzato deliberatamente da numerosi artisti.
Sarebbe tecnicamente scorretto sostenere che chi utilizza l’Auto-Tune non sappia necessariamente cantare.
L’effetto può essere una scelta stilistica consapevole e, in determinati contesti, contribuire alla costruzione di un’identità sonora.
Ma esiste una differenza tra utilizzare la tecnologia per ampliare le possibilità espressive e affidarle il compito di rendere commercialmente presentabile una prestazione vocale.
Questa distinzione dovrebbe essere al centro del dibattito.
Perché se il pubblico non è più interessato a capire quanto un artista sappia realmente cantare, interpretare o eseguire dal vivo, cambia anche il significato attribuito alla parola talento.
Un tempo la performance dal vivo rappresentava una prova importante della preparazione musicale.
Oggi, in alcune produzioni, l’identità sonora dell’artista dipende in misura considerevole dal lavoro di produttori, tecnici e sistemi digitali.
Questo non elimina automaticamente il valore dell’opera, ma rende indispensabile riconoscere che il risultato è spesso frutto di un processo collettivo.
La domanda non è se l’Auto-Tune debba essere vietato. La domanda è perché, in una parte del mercato musicale, la qualità dell’esecuzione sembri aver perso importanza rispetto alla costruzione del personaggio.
Il Personaggio Conta Più Della Musica?
C’è un altro elemento che distingue profondamente l’attuale industria musicale da quella del passato: il ruolo delle piattaforme social.
L’artista contemporaneo non deve soltanto produrre canzoni.
Deve alimentare una presenza digitale costante, costruire un’immagine riconoscibile, generare discussioni, pubblicare contenuti e mantenere vivo il rapporto con il pubblico.
La musica diventa una componente di un sistema molto più ampio.
Un sistema nel quale abbigliamento, atteggiamenti, dichiarazioni, controversie e stile di vita possono contribuire alla popolarità quanto il contenuto musicale.
Non è una novità assoluta.
Anche Elvis Presley, David Bowie, Madonna e numerosi altri protagonisti della storia della musica hanno costruito immagini pubbliche potentissime, al di là del giudizio che ne possiamo dare da cattolici.
La differenza riguarda la velocità e la struttura del mercato.
Oggi un frammento di pochi secondi può diventare virale prima ancora che il pubblico abbia ascoltato l’intera canzone.
Un ritornello può essere progettato per funzionare sui video brevi.
Una controversia può trasformarsi in uno strumento di promozione.
E l’identità dell’artista può assumere un peso commerciale superiore alla complessità della sua proposta musicale.
Questo meccanismo non riguarda soltanto la trap.
Coinvolge una parte crescente della musica pop internazionale e dell’intrattenimento contemporaneo.
Ma nella scena urban, dove immagine e linguaggio costituiscono elementi centrali del prodotto, il fenomeno appare particolarmente evidente.
I Testi: Tra Racconto Sociale E Ostentazione Del Vuoto
La musica non è fatta soltanto di note.
È fatta anche di parole.
E proprio sul piano dei contenuti si apre una delle questioni più delicate.
Una parte della trap italiana utilizza frequentemente immagini legate al denaro, al lusso, al consumo, alla sessualità, alla competizione personale e, in alcuni casi, alla criminalità.
Non tutti gli artisti trattano questi temi nello stesso modo.
Il rap ha una lunga tradizione di denuncia sociale, racconto delle periferie e rappresentazione delle contraddizioni economiche.
Anche la descrizione di ambienti violenti può avere un valore artistico, quando serve a raccontare una realtà anziché celebrarla.
Ma raccontare e glorificare sono due operazioni differenti.
Quando l’ostentazione del denaro diventa il principale indicatore del successo personale, quando il valore delle relazioni viene ridotto al possesso e quando la trasgressione viene presentata come un elemento di prestigio, è legittimo interrogarsi sul messaggio culturale trasmesso.
Non perché una canzone determini automaticamente il comportamento di chi l’ascolta.
Non esistono basi per affermare che ascoltare trap renda necessariamente un ragazzo violento, superficiale o incapace di distinguere realtà e finzione.
Ma la musica contribuisce alla costruzione dell’immaginario collettivo.
Offre linguaggi, modelli narrativi, rappresentazioni del successo e interpretazioni dei rapporti sociali.
E questo ruolo diventa particolarmente importante quando il pubblico comprende adolescenti che stanno ancora formando la propria identità.
Il problema non è impedire agli artisti di raccontare ciò che vogliono. È capire perché una parte dell’industria culturale continui a considerare commercialmente vantaggiosa la ripetizione degli stessi modelli di ostentazione.
Non È Vero Che Ogni Generazione Produce Lo Stesso Tipo Di Rivoluzione
L’argomento più utilizzato per difendere qualsiasi tendenza musicale contemporanea è anche uno dei meno convincenti.
«Ogni generazione critica quella successiva».
È vero che il conflitto generazionale esiste.
Ma da questa osservazione non deriva che tutte le produzioni musicali siano equivalenti.
Il fatto che i genitori degli anni Sessanta criticassero i Beatles non dimostra che ogni artista criticato oggi possieda lo stesso valore innovativo.
Il fatto che l’heavy metal sia stato considerato scandaloso non significa che qualsiasi genere contemporaneo rappresenti necessariamente un progresso.
È un errore logico prima ancora che culturale.
Per valutare un’opera bisogna analizzarne le caratteristiche.
La composizione, l’interpretazione, la produzione, l’originalità, il rapporto con la tradizione e la capacità di costruire un linguaggio personale.
Naturalmente questi criteri non sono gli unici possibili.
Nel rap, per esempio, hanno un’importanza particolare il ritmo verbale, la scrittura, le rime, il flow e la capacità narrativa.
Giudicare un rapper esclusivamente dalla presenza di assoli di chitarra sarebbe assurdo quanto giudicare un chitarrista jazz soltanto dalla qualità delle sue rime.
Ma riconoscere la diversità dei linguaggi non significa rinunciare al giudizio critico.
La libertà artistica comprende anche la libertà del pubblico di distinguere tra innovazione, mestiere, imitazione e prodotto commerciale.
E questa distinzione non dovrebbe essere considerata un’offesa generazionale.
La Responsabilità Dell’Industria Discografica
Attribuire tutta la responsabilità agli artisti sarebbe troppo semplice.
Il vero protagonista di questa trasformazione è il sistema economico che organizza la produzione e la distribuzione musicale.
Le piattaforme digitali premiano la capacità di generare ascolti e mantenere l’attenzione.
Le case discografiche cercano artisti in grado di costruire comunità numerose e commercialmente attive.
I social favoriscono contenuti immediatamente riconoscibili.
In questo ambiente, la complessità musicale può diventare un investimento meno prevedibile rispetto alla riproduzione di formule già collaudate.
Non perché il pubblico sia incapace di apprezzare opere sofisticate.
Ma perché ciò che viene promosso più intensamente finisce spesso per occupare una parte maggiore dell’attenzione collettiva.
Il rischio è un circolo vizioso.
Le piattaforme valorizzano ciò che genera interazioni.
L’industria produce contenuti adatti a quelle piattaforme.
Il pubblico viene esposto soprattutto a quei contenuti.
E il successo ottenuto viene successivamente utilizzato come prova della loro superiorità.
In questo sistema, il mercato non si limita a registrare i gusti musicali: contribuisce anche a formarli.
Se le nuove generazioni entrano in contatto soltanto con una porzione limitata dell’offerta musicale, la loro libertà di scelta rischia di essere più ristretta di quanto suggerisca l’apparente abbondanza delle piattaforme digitali.
I Genitori Devono Tornare A Educare All’Ascolto
Arriviamo al punto più delicato.
Quale ruolo dovrebbero avere i genitori?
La risposta non può essere la censura indiscriminata.
Proibire un genere musicale soltanto perché appartiene alla cultura giovanile rischia di produrre l’effetto opposto e di trasformarlo in un simbolo di ribellione.
Ma nemmeno l’indifferenza rappresenta una soluzione.
Un genitore dovrebbe interessarsi a ciò che ascoltano i propri figli, comprendere i messaggi presenti nei testi e proporre occasioni di confronto.
Dovrebbe far conoscere generi, epoche e linguaggi differenti.
Dal rock alla musica classica, dal jazz al blues, dal cantautorato italiano alla musica elettronica sperimentale.
E dovrebbe aiutare i ragazzi a distinguere il successo commerciale dalla qualità artistica.
Non per imporre i propri gusti, ma per ampliare gli strumenti culturali con cui costruire un giudizio autonomo.
Ascoltare un brano dei Pink Floyd, una composizione di Ennio Morricone, un disco di Fabrizio De André o un’opera di Beethoven non obbliga nessuno a rinunciare alla musica contemporanea.
Permette semplicemente di scoprire che la musica può essere molto più di un ritornello ripetuto sopra una base.
Educare musicalmente non significa scegliere al posto dei figli. Significa evitare che siano esclusivamente gli algoritmi a scegliere per loro.
E questa dovrebbe essere una responsabilità condivisa da famiglie, scuole e istituzioni culturali.
Il Vero Declino È Aver Smesso Di Pretendere Qualità
La musica contemporanea non è tutta uguale.
Esistono giovani artisti straordinari, compositori innovativi, musicisti preparatissimi e produzioni capaci di utilizzare la tecnologia con intelligenza e originalità.
Esistono anche opere interessanti all’interno del rap e della trap.
Negarlo significherebbe cadere nello stesso errore di chi considera automaticamente valido tutto ciò che è nuovo.
Ma proprio perché il talento continua a esistere, bisogna domandarsi perché una parte così visibile del mercato musicale sembri privilegiare la ripetizione di modelli commerciali.
La questione non è rimpiangere un passato nel quale tutto sarebbe stato migliore.
Anche negli anni Sessanta, Settanta e Ottanta esistevano prodotti costruiti esclusivamente per vendere.
La differenza è che oggi la velocità della distribuzione digitale, il peso degli algoritmi e la centralità dell’immagine hanno modificato profondamente il rapporto tra produzione artistica e consumo.
La musica rischia di diventare sempre meno un’esperienza da ascoltare e sempre più un contenuto da utilizzare.
Una colonna sonora per un video.
Un frammento da condividere.
Un sottofondo da scorrere distrattamente.
Un marchio con cui identificarsi.
Il problema non è che siano scomparse le chitarre.
Il problema è che sembra essersi indebolita, in una parte dell’industria musicale, l’ambizione di creare qualcosa che meriti di essere ascoltato anche quando la moda sarà passata.
La Musica Non Deve Essere Difesa Dalla Gioventù, Ma Dalla Mediocrità
Non serve dichiarare guerra ai giovani.
Serve recuperare il coraggio della critica.
Geolier, Sfera Ebbasta, Shiva e Anna hanno pubblici, linguaggi e percorsi differenti. Metterli tutti nello stesso contenitore senza distinguere le rispettive produzioni sarebbe una semplificazione.
Ma il loro successo commerciale può diventare l’occasione per interrogarsi su una trasformazione culturale molto più ampia.
Che cosa chiediamo oggi alla musica?
Che ci sorprenda, ci emozioni, ci faccia pensare e ci permetta di scoprire nuovi linguaggi?
Oppure ci basta che sia immediatamente riconoscibile, facilmente consumabile e costantemente presente nelle classifiche?
È una domanda che riguarda anche la società nella quale viviamo.
Una società che spesso misura il valore attraverso i numeri, la visibilità e la capacità di attirare attenzione.
Una società nella quale diventare famosi può apparire più importante che diventare competenti.
Una società che rischia di confondere la popolarità con il merito e la provocazione con l’originalità.
Il decadimento artistico non è una questione generazionale. È il rischio che si corre quando smettiamo di distinguere ciò che vende da ciò che vale.
Non tutta la musica di ieri era arte. Non tutta quella di oggi è spazzatura, ma nemmeno tutto ciò che domina le piattaforme merita di essere celebrato come una rivoluzione.
E se abbiamo ancora il diritto di pretendere qualità da un libro, da un film, da un’opera teatrale o da un dipinto, dobbiamo poter pretendere la stessa cosa dalla musica.
Senza sentirci rispondere che siamo semplicemente diventati vecchi, perché il problema non è quanti anni abbia chi ascolta…
Il problema è che cosa stiamo insegnando ad ascoltare, quanto spazio lasciamo alla cultura musicale e se abbiamo ancora il coraggio di riconoscere la differenza tra un successo costruito per durare una stagione e un’opera capace di attraversare le generazioni.
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